www.lobnya.ru
ЛОБНЕНСКАЯ ХУДОЖЕСТВЕННАЯ ГАЛЕРЕЯ




В. И. Коробков -
член Союза Художников России, заслуженный работник культуры московской области, создатель герба города Лобни, участник многих выставок у нас в стране и за рубежом. Его произведения хранятся в фонде РАХ, в музеях разных городов, в том числе в Болгарии и на Кубе, где Владимир Иванович работал по линии МИДа СССР художником-педагогом.



Главное в акварели, по словам Владимира Ивановича, это поэзия. Теоретическая часть эксклюзивного курса акварельной живописи В. Коробкова начинается именно с этого слова. В совершенстве владея навыками и приемами всех существующих направлений в акварельной живописи, мастер ставит на первый план, казалось бы, совершенно абстрактное понятие и утверждает, что оно важнее любых технических секретов.



Смысл настоящего искусства не в работе мозга, который является всего лишь гениально устроенной машиной, а в труде души, которая вслушивается в воздух, ветер, дождь, человека и порождает невидимый мыслеобраз, заключая его в слово или картину, словно в хрупкий сосуд, лишь для того, чтобы воплотить, сохранить и донести до других людей. Линию может оживить только страстная увлеченность, соединение с природой, любовь к тому, что вызвало желание провести
эту линию.


Взаимодействие с любым пейзажем, по словам Владимира Ивановича, должно быть глубоким и сосредоточенным, обязательно наедине с природой. Человек даже физически не может воспринять тончайшие вибрации стихии, если рядом он ощущает более грубые и «громкие» частоты другого человека, которые обязательно будут перебивать «космические». Достичь нужного сосредоточения и погружения в работу достаточно сложно, для этого необходимо приобрести почти медитативные навыки вхождения в особый транс творческого вдохновения.


На первое место в школе изобразительного искусства В. Коробкова выводится психологический аспект воспитания души и развития творческого «видения». Курс школы можно символически назвать «Путь к себе». Огромное внимание уделяется тому, чтобы в процессе обучения человек всегда ощущал себя окруженным теплом, гармонией и душевным комфортом. С этого, по мнению мастера, должно начинаться проникновение в мир искусства, в мир такой сложной и капризной техники, как акварель.




Основной чертой школы является постижение искусства грамотного применения разных приемов и стилей по отношению к каждой работе индивидуально. Этот необычный подход, фактически, требует от художника владения всеми акварельными техниками, тренированного «глаза» и развитой душевной чуткости.




По словам Владимира Ивановича, художник должен превосходно изучить все когда-либо существовавшие направления акварельной живописи, и, приступая к каждой новой работе, с одного взгляда «видеть», какие технические приемы следует использовать при ее написании.




Мастер сознательно отказывается от формирования единой специфической «манеры» письма своей школы, которая была бы образцом для учеников и отличала бы их произведения от других школ. Однако только такая техническая многогранность является плодотворной почвой для развития творческой индивидуальности художника.




Учитель отказывается от концентрации внимания на себе самом, и призыва подражать своей манере письма ради выращивания настоящей творческой личности. Подобный подход дает не просто свободу, он полностью раскрепощает внутренний потенциал художника, создавая в своем роде уникальную среду, где каждая личность может развиваться без давления на нее стереотипов и канонов.

«Школа акварели Владимира Коробкова» при Лобненской художественной галерее

Школа-студия при Художественной галерее г. Лобни, открытая талантливым мастером-акварелистом Владимиром Ивановичем Коробковым, постепенно обещает стать основным центром подготовки профессионалов-акварелистов Подмосковья. Речь идет именно о «школе» не только из-за высочайшего мастерства основателя и учителя. Основными признаками сложившейся художественной школы определенного направления является новаторский подход к решению технологических задач, индивидуальность теоретической модели обучения и характерная только для данного мастера (основателя школы) манера письма.

 
Основная черта школы

Что касается технической стороны мастер-классов, то основной чертой школы является постижение искусства грамотного применения разных приемов и стилей по отношению к каждой работе индивидуально. Этот необычный подход, фактически, требует от художника владения всеми акварельными техниками, тренированного «глаза» и развитой душевной чуткости. По словам Владимира Ивановича, художник должен превосходно изучить все когда-либо существовавшие направления акварельной живописи, и, приступая к каждой новой работе, с одного взгляда «видеть», какие технические приемы следует использовать при ее написании.

Конечно, при таком подходе мастер сознательно отказывается от формирования единой специфической «манеры» письма своей школы, которая была бы образцом для учеников и отличала бы их произведения от других школ. Однако только такая техническая многогранность является плодотворной почвой для развития творческой индивидуальности художника. Для основателя школы данная система сама по себе подразумевает ту самую высокую ступень мастерства обучения, на которой учитель отказывается от концентрации внимания на себе самом, и призыва подражать своей манере письма ради выращивания настоящей творческой личности. Подобный подход дает не просто свободу, он полностью раскрепощает внутренний потенциал художника, создавая в своем роде уникальную среду, где каждая личность может развиваться без давления на нее стереотипов и канонов.

 
Акварельная техника

Акварельная техника берет свое начало в Китае, где она постепенно начала развиваться после изобретения бумаги во II веке нашей эры. В XII—XIII веках бумага появилась сначала в Испании и Италии, а потом распространилась по всей Европе. Однако должно было пройти еще два века прежде чем родились первые шедевры написанные акварельными красками. (А. Дюрер «Заяц»). Вплоть до рубежа XVIII—XIX веков, кроме единичных примеров (Дюрера, Лоррейна ван Дейк, Кастильоне), ими просто раскрашивали черно-белые наброски и никто даже подумать не мог, что скоро акварель станет одной из самых сложных техник рисования. Даже в 1829 году Пайо де Монтабер в «Полном трактате о живописи» упоминает об акварели вскользь как об искусстве, не заслуживающем серьезного внимания. Рубеж XVIII—XIX веков считается периодом расцвета акварельной живописи в Европе, в частности, в Великобритании, где в 1804 году было создано Общество акварелистов. Именно в Англии были разработаны основные приемы европейской акварельной живописи.

В России акварель стала популярна примерно в то же время, что и в Англии, и находилась под сильным ее влиянием. Одним из первых русских мастеров-акварелистов был Петр Соколов, современник А. С. Пушкина и ученик Санкт-Петербургской Академии художеств. Постепенно художников, работавших с акварелью, становилось все больше. Михаил Врубель (1856-1910), Василий Савинский (1859-1937), Альберт Бенуа (1870-1960), Карл Брюллов (1799-1852) и многие другие известные художники работали в этой технике, однако о посвящении ей всей своей творческой жизни и основании школы речи не шло.

Большим шагом в развитии русской акварели явилась организация и открытие в 1880 году «Общества русских акварелистов», первым председателем которого стал Альберт Бенуа. За период 1896—1918 г.г. группа этих талантливых и преданных акварельной технике художников открыла тридцать восемь выставок. Не случайно 1918 год стал годом распада Общества и символическим рубежом конца короткой «акварельной эпохи» в художественной жизни России. Утонченность и нежность этого капризного, но прекрасного, таинственного и благодарного материала оказались совершенно непригодными в жестких условиях нового «искусства пропаганды». Лишь к 50-м годам акварельная живопись снова ожила. Ее расцвет был отмечен обширными Всесоюзными акварельными выставками, первая из которых состоялась в Москве в 1965 году. Имена российских мастеров XX века Николая Тырсы (1987—1942), Сергея Герасимова (1885—1964) , Георгия Верейского (1886—1962), Владимира Конашевича (1888—1963), Александра Самохвалова (1894—1971), Семёна Пустовойтова (1921—1995), Владимира Ветрогонского (1923—2002) и других известных акварелистов вошли в историю искусств. До XX века в России не было обособленной подготовки узких профессионалов-акварелистов. Единственным событием в этой области стало открытие спецшколы акварели Сергея Андрияки, довольно быстро ставшим «акварельным» центром Москвы.

 
Поэзия

Главное в акварели, по словам Владимира Ивановича, это поэзия.

Теоретическая часть эксклюзивного курса акварельной живописи В. Коробкова начинается именно с этого слова.

В совершенстве владея навыками и приемами всех существующих направлений в акварельной живописи, мастер ставит на первый план, казалось бы, совершенно абстрактное понятие и утверждает, что оно важнее любых технических секретов. Почему это происходит?

Всем известно, что в художественных школах у одних учителей дети через неделю создают шедевры, а у других и через несколько лет не понимают сути того, что делают. Можно в пластике травинки, развевающейся на ветру помочь начинающему художнику разглядеть иероглифическую красоту и пространство, которое поразит его, увлечет и заставит написать целую «поэму», а можно просто объяснить, как пишется первый и второй план в пейзаже и получить совершенно «мертвую» картину.

Смысл настоящего искусства, как и настоящей поэзии – не в работе мозга, который является всего лишь гениально устроенной машиной и дан нам только для того, чтобы мы им пользовались, а в труде души, которая вслушивается в воздух, ветер, дождь, человека и порождает невидимый мыслеобраз, заключая его в слово или картину, словно в хрупкий сосуд, лишь для того, чтобы воплотить, сохранить и донести до других людей. Линию может оживить только страстная увлеченность, соединение с природой, любовь к тому, что вызвало желание провести эту линию.

Взаимодействие с любым пейзажем, по словам Владимира Ивановича, должно быть глубоким и сосредоточенным, обязательно наедине с природой. Человек даже физически не может воспринять тончайшие вибрации стихии, если рядом он ощущает более грубые и «громкие» частоты другого человека, которые обязательно будут перебивать «космические». Достичь нужного сосредоточения и погружения в работу достаточно сложно, для этого необходимо приобрести почти медитативные навыки вхождения в особый транс творческого вдохновения. Такое состояние одновременного напряжения и покоя особенно необходимо поэтам, когда они «слушают» рождающееся стихотворение.

 
Естественность

Сложно наделить картину дыханием и жизнью, если писать ее с фотографии или по памяти.

Сам мастер всегда пишет с натуры, независимо от погоды. Его картины уникальны и несут в себе огромную энергетику еще и из-за того, что пишутся в естественных условиях. Например, картина «Гроза» написана под зонтиком, едва выдерживающем ливень, на ней видны следы от мелкого града, а на работе «Мокрый снег» создано потрясающее впечатление настоящей лесной оттепели и тяжелого мокрого снега.

Самую большую силу воздействия и самую высокую степень творческого потенциала имеет естественность. К сожалению, люди плохо понимают это, поэтому уже в подростковом возрасте человек начинает постепенно утрачивать непосредственность реакций, поведения и видения мира. Ему начинает нравиться то, что в его глазах имеет правильность очертаний и соответствует общественным критериям. Все, что в естестве своем имеет какой-либо изъян или кажущуюся нелепость, отвергается. Человеком начинают управлять стереотипы. Из-за этого люди быстро теряют связь с природой и попадают в искусственно созданное ими самими пространство, весьма далекое от мощного стихийного начала мира, и поэтому невероятно обедненное, не имеющее настоящей силы. Оно не подпитывает человека, как это должно быть, а наоборот, незаметно создает у него энергетический голод, ярко выраженный, к примеру, в мегаполисах, где при абсолютном материальном комфорте люди задыхаются от депрессий, изолированности и отсутствия нормальных душевных отношений. Потеря связи с природой усугубляется потерей своего «внутреннего ребенка», то есть, истинной, естественной сути своей личности.

Люди, умеющие всегда быть самими собой, встречаются крайне редко. За годы жизни мы «выучиваем» несколько душевных состояний – «масок», которые под воздействием воспитания, брака, взаимоотношений с другими людьми и обстоятельств позволяют нам чувствовать себя в иллюзии психологической безопасности. При этом теряется собственное «я» и человек порой забывает, что он представляет из себя на самом деле, какой он. Этот процесс является причиной многих проблем, и губителен для настоящего творчества.

Вот почему на первое место в школе изобразительного искусства В. Коробкова выводится психологический аспект воспитания души и развития творческого «видения». Теоретический курс школы можно символически назвать «Путь к себе».. Кроме этого, уделяется огромное внимание тому, чтобы в процессе обучения человек всегда ощущал себя окруженным теплом, гармонией и душевного комфорта. С этого, по мнению мастера, должно начинаться проникновение в мир искусства, в частности, в мир такой сложной и капризной техники, как акварель.

 
Многогранность

Что касается технической стороны мастер-классов, то основной чертой школы является постижение искусства грамотного применения разных приемов и стилей по отношению к каждой работе индивидуально. Этот необычный подход, фактически, требует от художника владения всеми акварельными техниками, тренированного «глаза» и развитой душевной чуткости. По словам Владимира Ивановича, художник должен превосходно изучить все когда-либо существовавшие направления акварельной живописи, и, приступая к каждой новой работе, с одного взгляда «видеть», какие технические приемы следует использовать при ее написании.

Конечно, при таком подходе мастер сознательно отказывается от формирования единой специфической «манеры» письма своей школы, которая была бы образцом для учеников и отличала бы их произведения от других школ.

Однако только такая техническая многогранность является плодотворной почвой для развития творческой индивидуальности художника. Для основателя школы данная система сама по себе является ноу-хау и подразумевает ту самую высокую ступень мастерства обучения, на которой учитель отказывается от концентрации внимания на себе самом, и призыва подражать своей манере письма ради выращивая настоящей творческой личности. Подобный подход дает не просто свободу, она полностью раскрепощает внутренний потенциал художника, создавая в своем роде уникальную среду, где каждая личность может развиваться без давления на нее стереотипов и канонов.

 
Просветление

Когда профессионализм остается уже за плечами и перестает быть творческой целью, к мастеру приходит истинная мудрость. В боевых искусствах и медитативной практике дзен это называется достигнуть сатори (просветления), внутреннего личного переживания опыта постижения «состояния одной мысли».

Просветление – это полная осознанность человеческой сущности, выход за пределы ума и пробуждения от «сна неведения». В этом состоянии человек освобождается от жажды обладания, самомнения и самовосхваления, его отношением к жизни становится благодарность, служение и ответственность. Пробуждение внутренних сил в творческом просветлении дает человеку осознание своего пути и способность решать обычные задачи необычными, порой нетрадиционными способами. Он созерцает свое и чужое творчество с высокой скалы и уже не останавливается на мелочах, имея предвидение результата действий и рекомендаций ученикам.

Именно это состояние особенно драгоценно для учителя-акварелиста, поскольку акварель, в отличие от других художественных техник, является особо сложной, духовной и совершенно неподвластной строгим академическим канонам. Мастер должен одновременно помнить о них и забывать, приступая к каждому новому листу, словно к воспитанию ребенка, непохожего на других. Жизнь каждой акварели максимально приближена к рождению и существованию живого существа.

 


Всплывающее окно (S5 Box )

Авторизация



THE ART GALLERY of LOBNYA
001.jpg